Los 50 grandes momentos de la historia de la guitarra eléctrica

Dec 02, 2023

La guitarra recibió su primera descarga eléctrica hace más de 130 años y desde entonces no ha dejado de tararear. Aquí hay 50 hitos que vale la pena celebrar

Una guitarra acústica es algo maravilloso. Es expresivo, hace un ruido hermoso y es portátil. Puedes llevarlo a cualquier parte y funcionará perfectamente, desde una estación de metro de la ciudad de Nueva York hasta la cima de Whiskey Dick Mountain en Washington. Su único inconveniente es que es un poco silencioso. Uno a uno, un piano, una trompeta o una tuba le patearán el culo.

Ya en 1890, los guitarristas sabían que necesitaban amplificación si querían ser escuchados. Y tenían razón. Una vez que el instrumento llegó a un enchufe de pared, la guitarra se convirtió en una fuerza imparable que impulsaba la música de Elvis Presley, los Beatles, los Rolling Stones y… ¡Cannibal Corpse!

En las siguientes 12 páginas, Guitar World rastrea la evolución de la guitarra eléctrica, desde el violeta cada vez más pequeño hasta la vida de la fiesta, en 50 momentos sorprendentes. Así que abróchate el cinturón y sujeta tu Stratocaster. Será un viaje salvaje.

¿Qué tiene que ver la primera central eléctrica con la guitarra eléctrica? Bueno, ¡no puedes tener una guitarra eléctrica sin electricidad, gran tonto! En 1882, Thomas Edison ayudó a formar la Edison Illuminating Company de Nueva York, que llevó luz eléctrica a partes de Manhattan, pero el progreso fue, digamos, sorprendentemente lento.

La mayoría de los estadounidenses siguieron iluminando sus casas con luz de gas y velas durante otros 50 años. Sólo en 1925 la mitad de todos los hogares de Estados Unidos tenían energía eléctrica, y no fue hasta 1960 que prácticamente todas las viviendas tenían electricidad.

En septiembre de 1890, el oficial de la Marina estadounidense George Breed obtuvo una patente para un diseño de guitarra electrificada. Su diseño se basó en una cuerda vibrante en un campo electromagnético, pero su “guitarra” era pequeña y extremadamente pesada, y sólo producía sonidos sostenidos excepcionalmente extraños que recordaban a un gato en celo.

Breed ahora es casi completamente desconocido como fabricante de instrumentos musicales y su instrumento ahora reside en el basurero de la oscuridad, pero, oye, tienes que empezar por algún lado...

Seamos realistas, una guitarra eléctrica sin amplificador apesta, y ahí es donde entra Lee de Forest. El padre de De Forest era un ministro de la Iglesia Congregacional que esperaba que su hijo también se convirtiera en pastor; en cambio, el joven inventó el primer dispositivo electrónico para controlar el flujo de corriente: el tubo de vacío triodo de tres elementos "Audion".

Esto impulsó la era electrónica y permitió el desarrollo del amplificador electrónico, que años más tarde fue utilizado por bandas como Slayer. Hasta aquí lo de ser hijo de un pastor. De Forest también se jactó de haber amasado y luego perdido cuatro fortunas. ¡Suena como nuestro tipo de chico!

Si crees que una guitarra eléctrica sin amplificador apesta, ¿qué tal un amplificador sin parlantes? Sí, la guitarra eléctrica también los necesitaba. Afortunadamente, Chester W. Rice y Edward W. Kellogg, un par de tipos inteligentes que trabajaban en los laboratorios de General Electric, juntaron sus cabezas e idearon el altavoz moderno, que combinaba el mecanismo del controlador de bobina móvil con un diafragma de cono de papel.

Inventaron el concepto en 1921, pero fue necesario hasta 1925 mejorar la acústica lo suficiente como para competir con los altavoces de bocina existentes. La ventaja del altavoz era que tenía una respuesta de frecuencia más plana que los altavoces de bocina y podía reproducir graves adecuados sin la enorme longitud de recorrido del sonido requerido en las bocinas.

La Stromberg-Voisinet Electro fue, según todos los informes, un salto sustancial desde el tosco intento inicial de George Breed de construir una guitarra eléctrica. Empleaba un dispositivo captador electromagnético montado debajo de la tapa de una guitarra de cuerpo hueco convencional, y era capaz de transformar las vibraciones de la tapa de madera del instrumento en una señal eléctrica que podía amplificarse. Hasta aquí todo bien, pero ¿cómo sonaba el SV Electro?

Es difícil decirlo, porque no se sabe que existan ejemplos sobrevivientes. En 1928 sólo se produjo una pequeña cantidad de estas guitarras y, a mediados de 1929, habían desaparecido por completo del mercado.

Si bien algunos culpan del fracaso del Electro a la Gran Depresión, los historiadores han especulado durante mucho tiempo que muy pocos jugadores los compraron porque sonaban terribles, y aquellos que lo hicieron finalmente los tiraron a la basura.

¡Ahora estamos cocinando con fuego! Aclamada como la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido producida comercialmente con éxito, la Ro-Pat-In Electro “Frying Pan” no tenía mucho que ver, pero sonaba bien y se podía extraer una cantidad respetable de volumen sin incurrir en retroalimentación. .

Inventada por el guitarrista George Beauchamp, la “sartén” (llamada así porque su cuerpo circular y su largo cuello la hacían parecer una sartén), presentaba un cuerpo de aluminio y una pastilla que incorporaba un par de imanes de herradura que se arqueaban sobre las cuerdas.

Si bien fue eclipsada por la avalancha de guitarras eléctricas que la siguieron, los verdaderos aficionados a las seis cuerdas siempre considerarán la A-25 como el Big Bang indiscutible.

Si juegas Master of Puppets en un bosque y no hay nadie cerca para escucharlo, ¿emite algún sonido? Probablemente. Pero seamos realistas, tocar la guitarra suele ser más satisfactorio cuando hay un público que lo aprecia.

La primera venta de una sartén A-25 fue al guitarrista de Wichita, Kansas, Gage Brewer, quien realizó la compra el 21 de septiembre de 1932. También tiene la distinción de haber realizado la primera actuación pública conocida con ella. Un comunicado de prensa emitido para promocionar el concierto nos informa que tuvo lugar en el Shadowland Pavilion, un club nocturno de Wichita que también era propiedad de Brewer, la noche de Halloween de 1932.

“En este momento estamos presentando el instrumento más nuevo y sensacional del mundo”, se jactaba en el comunicado. "Un nuevo invento que sorprende al mundo de la música, ya que hace posible una combinación de técnica personal natural y perfección eléctrica". En efecto.

Si Frying Pan abrió la puerta a la guitarra eléctrica, entonces el ES-150 de Gibson Guitar Corporation derribó todo el granero. ES significaba español eléctrico y 150 reflejaba cuánto costaba la guitarra ($150 con amplificador). Gibson había intentado sacar guitarras eléctricas al mercado ya en 1933, pero sus primeros intentos fueron algo primitivos.

Inspirándose en la revolucionaria pastilla de George Beauchamp para la Frying Pan, Gibson encargó a Walter Fuller que desarrollara su propia pastilla electromagnética que mejorara la de Beauchamp. En cuestión de semanas, Fuller tuvo éxito y logró crear lo que ahora se conoce comúnmente como la “pastilla blade”, que todavía hoy es codiciada por los músicos de jazz.

Los guitarristas cambiaron su tapa por la guitarra de cuerpo hueco, y los primeros músicos incluyeron leyendas como Eddie Durham, Floyd Smith y el más famoso de ellos, Charlie Christian, quien le dio a la ES-150 un “estatus casi mítico”.

Muchos de ustedes (bueno, todos) probablemente no estén familiarizados con el nombre de George Barnes, pero en el siglo XX era muy importante. Según los archivos de Musician Union, Barnes tocó en más fechas de grabación para más personas que cualquier otro guitarrista en la historia, apareciendo en unos 100 discos de blues sólo en la década de 1930.

Su carrera de sesión continuó prosperando durante las siguientes dos décadas, apareciendo en otros doscientos álbumes, incluidos los grabados por Frank Sinatra, la leyenda del jazz Louis Armstrong y los artistas country Homer & Jethro. Incluso fue la primera persona en tocar una guitarra eléctrica en una grabación de Bob Dylan (el tema inédito de 1962, Mixed-Up Confusion).

Pero cuando se le menciona estos días, generalmente es porque podría decirse que fue el primero en grabar con una guitarra eléctrica, concretamente en el vibrante clásico de 1938 de Big Bill Broonzy, It's a Low-Down Dirty Shame. Barnes lo rompe con una colección de deslumbrantes licks de jazz que son a la vez electrizantes y electrizantes. Mientras que la mayoría de los músicos de la década de 1940 estaban encantados con la innovadora ES-150 de Gibson (ver el número 8), la personalidad de la radio y guitarrista superestrella Les Paul no quedó nada impresionado. En niveles de volumen más altos, el 150 era propenso a la retroalimentación, lo que le molestaba muchísimo, por lo que en algún momento de 1939 Paul comenzó a trastear con una idea que comenzó con el Ro-Pat-In Electro A-25 “Frying Pan” de 1932: un Guitarra de cuerpo sólido.

Volviendo al punto de partida, Paul comenzó con una losa de pino de 4 x 4 pulgadas, aproximadamente del largo del cuerpo de una guitarra archtop convencional, le colocó un puente, dos pastillas cubiertas de madera que él mismo hizo y luego hizo a mano cordal de vibrato.

Luego colocó “alas” a ambos lados del bloque para que pareciera más una guitarra convencional. Para su deleite, cuando finalmente lo conectó, sonó bastante bien y no retroalimentó.

Les estaba eufórico con su invento, al que apodó “The Log”, pero cuando llevó la guitarra a Gibson en 1941, se rieron de su “palo de escoba con pastilla”. Lo que la compañía no sabía era que, una década después, Les sería el último en reír cuando una versión refinada de su característica “broomstick” se convirtiera en una de las guitarras más veneradas de todos los tiempos.

En 1938, un técnico en electrónica llamado Leo Fender abrió un humilde taller de reparación donde reparaba radios, fonógrafos, amplificadores de instrumentos y casi cualquier otra cosa con cables rotos. Sin embargo, después de varios años, Leo se inquietó y se convenció de que fabricar sería más rentable que reparar, y como experimento construyó una guitarra lap steel en 1946 para el virtuoso del country Noel Boggs. Boggs estaba encantado con ella, lo que inspiró a Fender a entrar en el negocio de la fabricación de guitarras eléctricas.

Irónicamente, Fender nunca tocó un instrumento, pero amaba la música country (y salir con músicos) y, a finales de los años cuarenta, comenzó a centrarse en diseños de guitarras más convencionales, construyendo su primera Esquire de cuerpo sólido en marzo de 1950, a la que siguió poco después. después por la Broadcaster en el otoño de 1950. Un conflicto de marcas con Gretsch llevó a la Broadcaster a pasar a llamarse Telecaster en 1951, y el resto es, como se suele decir, historia.

Quizás lo más radical de la Tele de Leo fue la forma en que se unía el mástil al cuerpo mediante cuatro pernos comunes. Básicamente, interrumpió varios siglos de tradición en la fabricación de guitarras, que estipulaban que la única forma de unir el mástil de la guitarra al cuerpo era mediante una unión en cola de milano. Muchos fabricantes de guitarras de la época se burlaban de la Tele por ese motivo, pero fue una innovación brillante que hizo que la guitarra fuera más asequible y fácil de reparar.

Es un error popular pensar que Les Paul inventó por sí sola la guitarra eléctrica, o al menos la guitarra eléctrica de cuerpo sólido. Si bien contribuyó sustancialmente al desarrollo del instrumento, ciertamente no inventó la guitarra eléctrica de cuerpo sólido, y mucho menos la guitarra eléctrica en sí. Sin embargo, hay varias innovaciones importantes relacionadas con la guitarra que se le pueden atribuir.

A Les le encantaba jugar y por esa razón construyó su propio estudio de grabación en su garaje de Los Ángeles. Fue allí donde comenzó a realizar algunas de las primeras grabaciones multipista conocidas, utilizando no cinta adhesiva sino un torno cortador de discos que construyó con un volante de inercia de un Cadillac y equipado con múltiples cabezales de corte.

El resultado de este gran experimento fue la extraordinaria canción Lover de 1948, un tour de force con la asombrosa cantidad de ocho partes de guitarra eléctrica, todas interpretadas por Paul. La grabación serviría de inspiración para Jimi Hendrix, Brian May y Jeff Beck, quienes dijeron a Guitar World: "Todavía suena fresco hoy en día en comparación con la mayoría de la música contemporánea".

Muddy Waters puso en marcha el modelo para el blues y el rock eléctricos modernos con sus dos grabaciones históricas, I Can't Be Satisfied y I Feel Like Going Home, que presentan su slide de cuello de botella en una guitarra amplificada apoyada por una sección rítmica conductora.

Este nuevo y revolucionario sonido eléctrico finalmente inspiró y dio origen a bandas como los Yardbirds, Led Zeppelin y los Rolling Stones (que tomaron su nombre directamente del clásico Rollin' Stone de Muddy).

Rocket 88 no era una canción particularmente original, pero había un elemento que hacía que la canción se destacara del resto. Fue impulsado por algo que pocas personas habían escuchado alguna vez: un sonido de guitarra estridente y distorsionado.

El productor Sam Phillips recordó: “el amplificador de bajo se cayó del auto. Y cuando lo metimos en el estudio, el woofer había estallado; el cono había estallado. Entonces le metí un periódico y papel de saco y de ahí surgió el sonido”.

A Phillips le encantó el tono poco convencional y aparentemente también a millones de fanáticos de la música. Rocket 88 saltó a la cima de las listas y se convirtió en el tercer sencillo de Rhythm and Blues más escuchado en las máquinas de discos de 1951.

Antes de la invención del Fender Precision, los bajistas tenían que cargar con un contrabajo vertical físicamente engorroso. Además de hacer reír a los clarinetistas, el contrabajo tenía otros inconvenientes. Era difícil escuchar en entornos de bandas grandes y el diapasón sin trastes dificultaba que los bajistas se mantuvieran afinados.

El Precision Bass, o “P-Bass”, diseñado por Leo Fender en 1950, fue creado para superar específicamente la mayoría de esos problemas. Y como hizo tan bien su trabajo, el venerable Fender de cuatro cuerdas sigue estando entre los bajos eléctricos más vendidos y más imitados de la música popular.

Les Paul: ahí está ese nombre otra vez. Pero aquí está lo extraño: tuvo muy poco que ver con el instrumento que lleva su nombre. La guitarra que todos conocemos y amamos hoy en día fue creada por el gerente de la fábrica Gibson, John Huis, y su equipo, con algunos ajustes menores realizados por Paul.

El presidente de Gibson Guitar, Ted McCarty, esencialmente se acercó al guitarrista para pedirle el derecho de imprimir su nombre en la pala con la idea de que su visibilidad como estrella discográfica ayudaría a las ventas. Piense en ello como uno de los primeros acuerdos de patrocinio de guitarras.

Les estaba intrigado y, en 1951, Gibson le presentó un instrumento casi terminado para su aprobación. McCarty declaró más tarde que las discusiones sobre diseño con Les se limitaron al cordal y la elección de la madera.

El modelo Les Paul de 1952 terminó con un cuerpo de caoba de 1 ¾ de pulgada de espesor con una tapa de arce, un mástil de caoba con un diapasón de palisandro, dos pastillas de bobina simple P-90 y un puente/cordal de una sola pieza estilo trapecio con cuerdas instaladas. debajo de una barra de tope de acero.

Si bien Paul no estaba completamente satisfecho con el instrumento Goldtop terminado, obedientemente lo presentó al público por primera vez en el escenario en junio de 1952 en el Paramount Theatre de Nueva York.

Después de que Fender lanzara la Telecaster en 1951, Gibson respondió con su exclusiva Les Paul. Para no quedarse atrás, Leo Fender volvió a la mesa de dibujo para crear su propio instrumento sofisticado.

La Stratocaster fue la primera guitarra Fender que contó con tres pastillas y un sistema de vibrato de tensión de resorte, además de ser la primera Fender con un cuerpo contorneado. La forma del cuerpo contorneada sexy difería del diseño plano y cuadrado de la Telecaster, y los cortes dobles de la Stratocaster permitían a los instrumentistas un acceso más fácil a posiciones más altas en el mástil.

La guitarra fue un éxito instantáneo y a menudo se la conoce como la "guitarra más vendida de todos los tiempos". Si bien eso puede ser cierto o no, basta decir que ha recibido un gran "aprobado" de jugadores como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck, David Gilmour, los Beatles y Yngwie Malmsteen... y probablemente de usted.

Desde la década de 1930 había un problema inherente a las pastillas de guitarra: esa palabra sucia que comienza con una “h” y termina con una “m”. No, esa palabra no. Dios... ¡saca tu mente de la alcantarilla! Estamos hablando de ese molesto zumbido conocido como hummmmm de 60 ciclos.

Debido a que el problema era tan generalizado y molesto, a mediados de la década de 1950 hubo una especie de carrera espacial entre Gibson y Gretsch para ver quién podía resolver el problema primero. La historia muestra que Gibson ganó la batalla cuando Seth Lover creó su inmortal pastilla humbucker PAF (Patente Solicitada). Pero Gretsch no se rindió sin luchar.

Casi al mismo tiempo, Ray Butts desarrolló una pastilla similar para Gretsch conocida como humbucker Filter'Tron. Aunque la patente de Gibson se presentó casi dos años antes que la de Gretsch, la patente final de Gibson se emitió cuatro semanas después de la de Gretsch. Aún así, la Gibson Les Paul Model y la Les Paul Custom fueron las primeras guitarras en utilizar humbuckers en una producción sustancial, por lo que se tiende a considerar el invento como su innovación, a lo que se rumoreaba que Ray dijo: "¿No es eso una patada en el trasero?". ¡las colillas!

Con su obra maestra de 1958, Johnny B. Goode, Chuck Berry creó el héroe popular del rock 'n' roll definitivo en tan solo unos pocos versos ágiles. Como todos sabemos, Goode no estaba tocando un piano, cantando frente a un micrófono o tocando un saxo.

Al elegir la guitarra eléctrica, algo elegante y actual, el personaje ficticio de Goode forjaría una imagen del rockero arquetípico, contribuyendo en gran medida a dar forma a la historia del instrumento como lo ha hecho cualquier figura de la vida real.

El riff de apertura de la canción es un toque de clarín, quizás la mejor introducción en la historia del rock 'n' roll. Berry lo tocó en una Gibson ES-350T eléctrica y, de hecho, sonó "como tocar una campana". Para los oídos de los adolescentes, la guitarra de Berry marcó el amanecer de una nueva y emocionante era, una que utilizaría seis cuerdas y un amplificador como banda sonora principal.

Los estadounidenses no fueron los únicos que construyeron guitarras y amplificadores eléctricos. Como veremos, los británicos hicieron una buena cantidad de contribuciones a nuestro instrumento favorito, comenzando con el tan ignorado amplificador Vox AC15. A finales de la década de 1950, la distorsión se consideraba un problema y los fabricantes de amplificadores de la época solían eliminarla con la ayuda de un "circuito de retroalimentación negativa".

El ingeniero británico y nerd de la guitarra Dick Denney decidió que no le gustaba el efecto que el circuito tenía en el sonido de su guitarra y diseñó su nuevo combo Clase A sin la electrónica "fiestera".

Esto permitió que los tubos EL-84 integrados se pusieran a toda marcha sin eliminar los deseables armónicos de orden uniforme, lo que dio como resultado una distorsión de sonido rica y natural. ¿El resultado? Un amplificador que abrió el camino para el futuro.

Así como Leo Fender había respondido a la Les Paul de Gibson con su elegante y poco convencional Stratocaster, Gibson decidió contraatacar con no menos de tres guitarras de aspecto salvaje diseñadas para dejar la Strat en la Edad de Piedra: la Flying V, la Explorer y el Moderno.

Desafortunadamente, estaban demasiado adelantados y el V y el Explorer fueron un fracaso comercial. Gibson rápidamente dejó de lado el V y el Explorer, y el Moderne ni siquiera llegó a producirse. Pero ese no fue el final de su historia.

A principios de la década de 1980, la V y la Explorer pasaron de ser ovejas negras a ser pilares icónicos de las guitarras de heavy metal.

Sin que Gibson lo supiera, varios influyentes importantes de la guitarra, incluidos Albert King, Lonnie Mack y Dave Davies de los Kinks, amaban sus V y a menudo eran fotografiados con sus exóticos instrumentos.

Sintiendo una tendencia, Gibson comenzó a producir Flying V nuevamente en 1968, esta vez con mejores ventas. Sin embargo, pasó casi otra década antes de que comenzaran a reeditar el Explorer después de que Hamer Guitars tuviera éxito vendiendo diseños similares.

A principios de la década de 1980, la V y la Explorer pasaron de ser ovejas negras a convertirse en pilares icónicos de las guitarras de heavy metal, influyendo en innumerables guitarras "puntiagudas" diseñadas por compañías como Dean, ESP y Jackson.

¿A qué guitarrista eléctrico no le gustan los pedales? Tengo un amigo que los ve como una especie de moneda, como diciendo: "Caray, podría haber comprado dos pedales y medio con el dinero que gasté en compras esta semana". O: "Con el dinero que gasté en esos jeans, podría haber comprado un Electro-Harmonix Big Muff".

Si eres un entusiasta de los pedales como mi amigo, puedes agradecer al Maestro FZ-1 de Gibson por ponerlo en marcha en 1962. Diseñado por el ingeniero de grabación Glenn Snoddy (¡buen nombre!) y el ingeniero de WSM-TV Revis V. Hobbs (un incluso ¡Mejor nombre!), Maestro fue la primera caja fuzz disponible comercialmente que obtuvo una amplia aceptación.

Como todo lo nuevo, el FZ-1 tuvo un comienzo lento. Lo que lo impulsó a toda marcha (y a los pedales de guitarra en general) fue cuando el guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, usó uno para tocar el riff retorcido en el mega éxito de la banda de 1965, Satisfaction. Inmediatamente, cada acto de garage rock y psicodélico tenía que tener uno, lo que provocó que Gibson vendiera todas las unidades que tenía en stock.

Al sentir el oro en “las colinas”, los pedales fuzz de repente comenzaron a brotar como hongos en un programa de cocina italiana, incluidos el Mosrite Fussrite, el Sola Sound Tone Bender y el clásico Dallas-Arbiter Fuzz Face utilizado por otro maestro: Jimi Hendrix. Después de eso, todo se vuelve un poco confuso.

En los años previos a que Ernie Ball presentara sus revolucionarias cuerdas Slinky en 1962, los guitarristas que querían doblar cuerdas estaban un poco jodidos. Tendrían que comprar un juego de cuerdas normales para guitarra eléctrica con una tercera entorchada y un Mi alto de .013 y tomar una decisión.

Podrían afinar medio tono para hacer que las cuerdas fueran más flexibles, como Hendrix o Stevie Ray Vaughan. O podrían comprar un juego nuevo, tirar la cuerda Mi baja, mover el resto de las cuerdas hacia abajo y reemplazar la Mi alta con una cuerda de banjo súper liviana como Jimmy Page y Johnny Winter.

Gracias a tu buena estrella, el dueño de una tienda de música llamado Ernie Ball tuvo el cerebro para detener la locura. Se dio cuenta de que los músicos jóvenes tenían dificultades para presionar las terceras cuerdas enrolladas, que eran "como un cable gigante", e informó del problema a Fender, pidiendo a uno de los representantes de ventas de la compañía que hablara con el propio Leo Fender. El representante regresó con la noticia de que Leo no estaba interesado en fabricar cuerdas de calibre más ligero porque las cuerdas más ligeras lo obligarían a rediseñar sus guitarras para compensar la tensión diferente.

Ball reconocía un “vete a la mierda” sólido cuando lo escuchaba, por lo que se puso en contacto con un fabricante de cuerdas independiente y encargó que se produjeran juegos de calibres personalizados con una tercera cuerda ligera de calibre 24, lo que finalmente llevó a la creación de las cuerdas Slinky en 1962. Se lo digo a Ernie: el tipo definitivamente tenía agallas.

Hay millones de razones por las que los Beatles fueron importantes, pero si me preguntas, su mayor contribución a la música fue crear la fórmula casi perfecta para la banda de rock moderno. De hecho, se rumorea que cuando John Lennon cantó All You Need Is Love, lo que realmente quiso decir es: "Todo lo que necesitas son dos guitarras eléctricas, un bajo y un baterista". Simplemente no fue tan pegadizo.

Al parecer, los niños entendieron lo que quería decir de todos modos. En 1964, se estima que 73 millones de personas se reunieron frente a su televisor para mirar boquiabiertos a John, Paul, George y Ringo cantando a Ed Sullivan frente a un teatro de adolescentes volviéndose locos.

Al día siguiente, miles de esos pequeños sacos de basura –incluidos Gene Simmons, Joe Perry, Bruce Springsteen, Tom Petty y Nancy Wilson– salieron corriendo, compraron guitarras y fundaron bandas. El mensaje había sido recibido.

Pete Townshend fue uno de los primeros músicos de rock en darse cuenta de que la guitarra podía usarse para algo más que solo tocar solos o escribir canciones: también podía servir como accesorio escénico definitivo.

Durante una actuación típica de The Who, Townshend posaba, saltaba, hacía girar su guitarra y lanzaba su guitarra al aire de manera dramática mientras tocaba algunas de las músicas más emocionantes de las décadas de 1960 y 1970. Y si no se le ocurría nada mejor que hacer, simplemente lo aplastaría, lo cual también estaba bien.

Acabamos de establecer que Townshend tenía talento para lo dramático, entonces, ¿es sorprendente que haya sido uno de los principales instigadores detrás de la creación del monolítico y megaruidoso Marshall Marshall de 100 vatios? Todo comenzó cuando el baterista de big band nacido en Londres, Jim Marshall, abrió una tienda de baterías en Londres en 1960. A instancias de los músicos de rock locales que frecuentaban su tienda, entre ellos Townshend, pronto se expandió a la venta de otros instrumentos musicales, incluidos los eléctricos. guitarras y amplificadores.

Pete fue uno de los que se acercó a mí y me dijo: 'En las tiendas de música del oeste de Londres nos tratan como idiotas porque tocamos rock 'n' roll'. Entonces, ¿por qué no vendes amplificadores y guitarras en tu tienda?

“Pete fue uno de los que vino a mí y me dijo: 'En las tiendas de música del oeste de Londres nos tratan como idiotas porque tocamos rock 'n' roll'. Entonces, ¿por qué no vendes amplificadores y guitarras en tu tienda? recordó el dueño de una tienda de música, Jim Marshall. “Le dije: 'Bueno, sé mucho sobre batería, pero no sobre guitarras ni amplificadores. Pero lo intentaré. Lo hice y fue un éxito desde el primer momento”.

Luego, Marshall dio un paso más y comenzó a diseñar y producir su propia línea personalizada de amplificadores, comenzando con el clásico Marshall JTM45 de 1962 de 30 vatios. Pero eso no fue suficiente para Townshend, que buscaba aún más volumen. En 1965, el guitarrista de Who exigió que Jim le construyera el monstruo del rock definitivo, un gigante de 100 vatios que finalmente le permitió a él, a Eric Clapton, Jimi Hendrix, Eddie Van Halen y otros generar retroalimentación, distorsión apocalíptica y suficiente volumen para alcanzar lo más lejos. rincones de cualquier club o estadio.

Años antes de que Edward Van Halen construyera su Frankenstein o Steve Vai diseñara su Ibanez JEM, Brian May de Queen creó a mano su Red Special, único en su tipo, que se escucha en canciones como Bohemian Rhapsody y Stone Cold Crazy. El instrumento de bricolaje de May envió un mensaje a los guitarristas de todo el mundo: si no puedes comprar lo que quieres, súbete los pantalones acampanados de satén y haz uno tú mismo.

Construida con madera de la repisa de una chimenea “centenaria”, la guitarra cuenta con tres pastillas de bobina simple y un puente de aluminio hecho a medida. El sistema de trémolo se construyó a partir de un viejo filo de cuchillo de acero endurecido en forma de V y dos resortes de motocicleta para contrarrestar las 79 libras de tensión de la cuerda.

“Mi padre y yo diseñamos el instrumento desde cero, con la intención de que tuviera una capacidad más allá de todo lo que existía: más afinable, con una mayor gama de tonos y sonidos, con un mejor trémolo y con capacidad de retroalimentar. por el aire en el buen sentido”, dijo May. Misión cumplida.

Alan di Perna, colaborador de Guitar World desde hace mucho tiempo, elogió una vez a Blues Breakers como “una de las grabaciones de guitarra más importantes de todos los tiempos, algo así como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band para guitarristas”.

¿La razón? Hay muchos. Además de tocar blues con una agresión arrogante de rock 'n' roll, Clapton fue el primero en grabar con la combinación mágica de una Les Paul Standard conectada a uno de los amplificadores JTM45 de 30 vatios de 1962 recientemente inventados por Jim Marshall. Su virtuosismo combinado con el amplificador a todo volumen puso patas arriba el mundo de la guitarra, inspirando a futuras superestrellas como Jimi Hendrix, Duane Allman y Stevie Ray Vaughan a hacer lo mismo.

"Estaba tratando de emular el sonido agudo y delgado que [el bluesman] Freddie King sacó de su Gibson Les Paul, y terminé con algo bastante diferente, un sonido que era mucho más grueso que el de Freddie", dijo Clapton. “Tocaba una nota, la sostenía y le daba un poco de vibrato con los dedos, hasta que se sostenía y luego la distorsión se convertía en retroalimentación. Fueron todas estas cosas, más la distorsión, las que crearon 'mi sonido'”.

Y fue un sonido como de trueno. No es de extrañar que poco después la gente empezara a llamar a Clapton "Dios".

La invención del pedal wah es una historia bastante larga y confusa, por lo que intentaremos darte la versión corta, que no debería resultar confusa en absoluto. Comienza cuando Thomas Organs le encargó a un joven ingeniero llamado Brad Plunkett que desmontara un amplificador de guitarra británico Vox AC100 y encontrara una manera de abaratar su producción manteniendo la calidad del sonido.

Thomas había llegado a un acuerdo para distribuir Vox en Estados Unidos y buscaban ahorrarse unos cuantos dólares en el camino. En algún momento del proceso, Plunkett logró diseñar un nuevo circuito que podía cambiar la frecuencia de las notas simplemente girando un potenciómetro.

"Le pedí a un amigo mío que conectara una guitarra a este montón de cables, resistencias y condensadores que tenía en un banco", dijo Plunkett. “Tocó algunos acordes mientras yo giraba la perilla del potenciómetro y sonó 'wah-wah-wah'. Pensé: '¡Guau! ¡Esto es realmente genial!'”.

Inicialmente, la compañía pensó que el efecto sería excelente para trompetas y otros instrumentos de viento, pero cuando el guitarrista y empleado de Vox, Del Casher, se topó con el primer prototipo de Plunkett, reconoció su increíble potencial para la guitarra y convenció a la alta dirección para comercializarlo entre los seis. nerds de cuerdas.

Casi inmediatamente después de su lanzamiento en 1966, el principal nerd de las seis cuerdas, Frank Zappa, compró una y corrió la voz entre sus compadres de la guitarra, como Eric Clapton y Jimi Hendrix. Como Hendrix dijo a los periodistas: "Tiene un sonido muy maravilloso". Y todos los que escucharon a Clapton usarlo en White Room de Cream, o a Hendrix en Voodoo Chile (Slight Return) estuvieron de acuerdo... el wah era, de hecho, maravilloso.

¿Una revista? ¿Solo para guitarristas? Ahora, eso es simplemente ridículo...

Cuando Are You Experienced llegó a las tiendas de discos, fue como una transmisión de Júpiter. Si Eric Clapton había descubierto una manera de hacer que la guitarra sonara más grande (ver el número 28), Jimi cambió casi todo lo demás.

Desde el proto-metal de Foxy Lady hasta el salvaje blues psicodélico de Red House y el fantasmagórico engaño de estudio de Third Stone from the Sun, parecía que Jimi estaba reinventando y reimaginando la guitarra eléctrica con cada canción... o quizás con cada nota.

Como señaló el periodista de rock británico y aficionado a la guitarra Charles Shaar Murray, el álbum “cambió por completo las nociones de cómo podría sonar la guitarra o, incluso, cómo podría sonar la música”. Revolucionario.

Si se realizara una encuesta para determinar la interpretación de guitarra eléctrica más influyente en toda la historia del instrumento, la mayoría de los votos probablemente irían a parar a la asombrosa interpretación de Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner en Woodstock.

Al tomar el conocido himno a la victoria en las batallas estadounidenses e insertar explosivos golpes de barra y chillidos agudos para emular los gritos humanos de agonía, Hendrix usó su guitarra para sumergir a sus oyentes en la caótica e inquietante realidad sonora de la batalla misma.

Hendrix, que había servido en el ejército, comprendió el horror, el dolor y el valor asociados con la guerra, y sabía que lo que quería expresar estaba más allá de las palabras, por lo que dejó que su guitarra hablara. Milagrosamente, transformó su Fender Stratocaster en un instrumento de comentario político y cambio social, y todos lo entendieron.

¿Te resulta extraño empezar la sección de tiempos modernos con una entrada sobre guitarras antiguas? Definitivamente. Pero la verdad es que la idea de poner precios altísimos a instrumentos viejos es una construcción bastante nueva.

En la década de 1970, los fabricantes de guitarras estadounidenses se habían vuelto descuidados y tomaban atajos en la construcción de nuevas guitarras. Este desarrollo llevó a los músicos a reevaluar instrumentos más antiguos y, para su sorpresa, tipos inteligentes como Joe Walsh (Eagles) y Rick Nielsen (Cheap Trick) descubrieron que eran condenadamente buenos.

Pero el hombre quizás más responsable de difundir el evangelio de lo vintage fue George Gruhn, propietario de las mundialmente famosas Gruhn Guitars en Nashville. Gruhn abrió su primera tienda especializada en guitarras usadas y antiguas en 1970.

“En aquel entonces no había ninguna tienda cerca que vendiera instrumentos antiguos”, dijo Gruhn. “Y los músicos serios no estaban interesados ​​en cosas nuevas porque todo era una mierda; 1970 fue un punto muy bajo para la calidad de los instrumentos nuevos. Así que conocimos a Crosby, Stills, Nash & Young, Bob Dylan, Joni Mitchell, Eric Clapton, Duane Allman… lo que sea”.

A partir de ese momento, la mística de los instrumentos clásicos creció y creció, al igual que la tienda de Gruhn. Gruhn Guitars ahora reside en un edificio de tres pisos en 2120 8th Ave. South en Nashville, y visitarlo puede resultar abrumador. Pero lo más probable es que te topes con algo más moderno y atractivo que cualquier cosa que encuentres en Guitar Center.

Ningún otro género musical ha hecho tanto para mantener viva la guitarra eléctrica y seguir adelante como el heavy metal. Pero una cosa que bandas como Ghost, Polyphia, Lamb of God o Apes tienen en común es que tienen cierta deuda de gratitud con los OG del metal, Black Sabbath.

Grabado en una única sesión de 12 horas el 16 de octubre de 1969, el debut de Black Sabbath es ampliamente considerado como el primer álbum de heavy metal. Un elemento central del innovador sonido pesado de la banda fue la guitarra desafinada del guitarrista Tony Iommi. Gran parte de su nuevo sonido se desarrolló después de un accidente en una fábrica de chapa en el que se cortaron las puntas de los dedos medios de la mano de Iommi, que se preocupaba.

Decidido a seguir tocando la guitarra, creó un par de yemas de dedos postizas usando plástico de una botella de detergente para platos y desafinó las cuerdas de su guitarra para que le resultara más fácil doblarlas. El resultado fue un nuevo tono de guitarra gigantesco.

Su deterioro también limitó su elección de notas, lo que le obligó a concentrarse en construir sus composiciones en torno a acordes potentes y quintas paralelas, que también se convirtieron en un sello distintivo del heavy metal.

"Tocaba muchos acordes y tenía que tocar quintas porque no podía tocar cuartas debido a mis dedos", dijo Iommi.

Si bien los críticos de la época descartaron la música de Black Sabbath como "nigromancia de mierda", no hay duda de que la música y la influencia de la banda perdurarán mucho después de que todos estemos seis pies bajo tierra.

Por cada “yin” tiene que haber un “yang”, y si Black Sabbath abrió una escalera de metal al infierno con canciones como Paranoid, entonces deja que Led Zeppelin responda construyendo una escalera celestial al cielo. Sí, hay dos caminos que seguir a largo plazo, y todavía hay tiempo para que te echen de tu tienda de música local por tocar una versión de mierda de cualquiera de ellos.

Uno de los resultados inevitables del declive de la fabricación de guitarras en la década de 1970 fue la creación de la industria de las "piezas de repuesto del mercado de accesorios", un nombre poco atractivo para un ingenioso grupo de artesanos independientes que comenzaron a fabricar piezas y accesorios de guitarra que mejoraban los instrumentos de calidad inferior fabricados en fábrica. .

Liderando la carga de esta revolución estaba un joven músico y técnico de guitarra de Staten Island, Nueva York, llamado Larry DiMarzio, quien construyó su primera pastilla Super Distortion como reemplazo de las humbuckers Gibson de fábrica en 1972.

"Comencé a construir mis propias camionetas por la razón más práctica", dice DiMarzio. “Quería que mi guitarra sonara mejor. Quería conseguir un sonido más potente que el que obtenía con las pastillas estándar de la época. Resultó que otros también lo hacían”.

Paul Reed Smith escuchó el llamado del destino temprano. A los 16 años comenzó a experimentar con la construcción de guitarras en el taller de carpintería de la escuela secundaria, pero en su último año se había convertido en una especie de obsesión total, cuando consiguió un trabajo a tiempo parcial como reparador de instrumentos en el Washington Music Center en Maryland.

Durante su empleo, a menudo se sorprendía por lo que veía. Una cosa era arreglar un instrumento viejo que se había deteriorado, pero la mayoría de las veces le pedían que arreglara instrumentos nuevos que habían sido enviados directamente desde las fábricas.

“Vi una oportunidad”, dijo. "No me veía como alguien que fuera a cambiar la industria de la guitarra, pero podía ver cómo podía marcar la diferencia haciendo las cosas bien".

No me veía como alguien que fuera a cambiar la industria de la guitarra, pero podía ver cómo podía marcar la diferencia haciendo las cosas bien.

Y eso es exactamente lo que hizo. En 1976 construyó algunas de sus primeras guitarras para “Motor City Madman” Ted Nugent y Peter Frampton, y rápidamente comenzó a correr la voz entre la élite de la guitarra sobre este joven genio de Maryland y sus espectaculares instrumentos. Diez años más tarde fundó PRS Guitars y su continuo compromiso con la excelencia lo convirtió en uno de los fabricantes de guitarras más grandes y respetados del mundo.

"Fue el puto Paul Reed Smith el que obligó a Gibson y Fender a volver al juego", dijo Nugent. “A finales de los 80, se dieron cuenta de que este chico les estaba pateando el trasero y finalmente empezaron a fabricar guitarras realmente buenas otra vez”.

Si ha estado prestando atención a las últimas cuatro o cinco entradas, probablemente haya notado un tema: las compañías de guitarras estadounidenses como Fender y Gibson atravesaron una mala racha en la década de 1970.

La disminución de la calidad se debió principalmente a adquisiciones corporativas que intentaron maximizar las ganancias reduciendo la calidad y, como hemos visto, tipos como Larry DiMarzio y Paul Reed Smith no estaban muy contentos con la situación. Y puede agregar un nombre más a esa lista: un joven holandés llamado Eddie Van Halen, que no pudo encontrar nada que sonara "correcto" para sus oídos.

Su solución fue la misma que la de ellos. Tomó el asunto en sus propias manos. Al tomar varias partes de guitarras que le gustaban (una humbucker Gibson por aquí y un sistema de vibrato Strat por allá) y colocarlas en un cuerpo de fresno de repuesto de una tienda local, improvisó la que posiblemente sea la guitarra más emblemática de la historia del rock 'n' roll. y el verdadero prototipo de la súper popular super Stratocaster.

"La gente se equivocaba con eso, pero yo intentaría cualquier cosa para que algo funcionara", se rió el fallecido Eddie Van Halen. Y esa es una lección de guitarra que vale la pena aprender.

¿Otra revista sólo para guitarristas? Ahora, eso es simplemente ridículo...

La mayoría de los músicos probablemente piensen que los simuladores de amplificadores son inventos relativamente nuevos, pero son tan antiguos como Boston (es decir, la banda).

Tom Scholz, el genio de la guitarra detrás de éxitos de Boston como More Than a Feeling y Don't Look Back, era un ingeniero formado en el MIT y en 1982 fundó su propia empresa de tecnología de guitarras, Scholz Research & Design. Su primer producto fue el amplificador de guitarra eléctrica con auriculares Rockman, una unidad notable que también se podía conectar directamente al mezclador en el escenario o en un estudio, convirtiéndolo efectivamente en una caja DI para muchos guitarristas.

En muchos sentidos, se convirtió en el sonido de la década de 1980 y fue utilizado casi exclusivamente por Def Leppard en su innovador álbum Hysteria, y por los artistas Joe Satriani y Megadeth.

El Rockman fue una idea innovadora, pero otras compañías tardaron un tiempo en darse cuenta, comenzando con el icónico SansAmp de 1989 de Tech 21. Hoy en día, la simulación de amplificadores digitales y su hermano mayor más sofisticado, el modelado de amplificadores, prevalecen más que nunca, con Kemper Profiler y Axe-FX de Fractal Audio a la cabeza. Pero todo se remonta al cerebrito de Boston, el malvado Scholz.

Cuando MTV hizo su debut a las 0:01 am, hora del Este, el sábado 1 de agosto de 1981, se lanzó con las palabras: "Damas y caballeros, rock and roll". Y durante los dos años siguientes ese fue su objetivo: el rock 'n' roll. En concreto, el rock 'n' roll interpretado por artistas blancos como Def Leppard, Billy Idol y Van Halen.

A medida que el canal de música explotó, los músicos negros naturalmente populares de r&b y hip-hop comenzaron a sentirse excluidos, si no francamente discriminados. Y con razón. Aún así, los ejecutivos de MTV estaban contentos con la forma en que estaba siendo recibido el canal y en su mayoría hicieron oídos sordos.

No fue hasta Beat It de Michael Jackson, con un riff de heavy metal grabado por Steve Lukather y rematado con un solo espectacular de Eddie Van Halen, que el canal de música comenzó a ver que la música negra podía y debía ser una parte esencial de su mezcla.

Poco después, MTV abrió las puertas a Jackson y a otros artistas afroamericanos como Prince, Whitney Houston, Tina Turner, Lionel Richie y Run-DMC, y el mundo de la música fue un lugar mucho mejor para ello.

Desde que Muddy Waters conectó por primera vez su guitarra slide a finales de los años 1940, el blues había desempeñado un papel importante en la historia de la guitarra eléctrica. Pero en la década de 1980 el género empezó a parecer anticuado, especialmente si se lo compara con los fuegos artificiales generados por rockeros como Van Halen, Randy Rhoads y Steve Vai.

Con Texas Flood, Stevie Ray Vaughan cambió eso y casi sin ayuda resucitó el blues de entre los muertos. Al fusionar el formalismo de Eric Clapton con el desenfreno de Jimi Hendrix y agregar una pizca de arrogancia virtuosa que se encuentra en el hair metal de los años 80, SRV hizo que tocar el blues volviera a estar de moda.

A pesar de su muerte prematura en 1990 a los 35 años, al guitarrista de Texas se le puede atribuir el mérito de haber allanado el camino para nuevas generaciones de guitarristas de blues, incluidos Joe Bonamassa, Eric Gales, Gary Clark Jr., Samantha Fish, Marcus King y otros. El resultado es que el blues sigue vivo y coleando, y la escena es más vibrante que nunca.

Así como docenas de jóvenes británicos reempaquetaron la música del blues negro americano y nos la vendieron como los Rolling Stones, los Yardbirds y Cream en los años 1960, tres estadounidenses agresivos (y un baterista danés bastante locuaz) devolvieron el favor robando tanto como pudieron de bandas de metal británicas como Judas Priest, Iron Maiden y Motörhead en la década de 1980, ganando millones en el proceso.

Por supuesto, Metallica le dio un poco de su propio toque a esas influencias acelerando los tempos y haciendo que cada acorde de potencia rápido fuera al menos uno o dos kilos más pesado. Y fueron esas ligeras variaciones las que iniciaron una revolución que continúa hasta el día de hoy. La velocidad, el poder y la agilidad de Metallica abrieron la puerta a Slayer, Megadeth, Anthrax, Testament y casi todas las bandas de metal que vinieron después de ellos.

Si todo lo que Steve Vai hizo fue introducir un nuevo nivel de virtuosismo en la guitarra eléctrica a través de su trabajo innovador con Frank Zappa y sus álbumes en solitario como Passion and Warfare, habría merecido un lugar en esta lista como un revolucionario. Pero quizás sea su contribución al diseño de guitarras eléctricas la que acabará teniendo el impacto más duradero en el instrumento.

Si bien Eddie Van Halen tiende a recibir la mayor parte de la atención por su innovadora guitarra Frankenstein, la serie JEM característica de Vai es quizás igual de innovadora e influyente.

Con características como una barra flotante, un mástil de 24 trastes con un corte más profundo, un conector de entrada a prueba de tirones, una combinación de pastillas humbucking y de bobina simple para una máxima flexibilidad tonal y una séptima cuerda muy importante en su JEM. Modelos Universe, las guitarras exclusivas de Steve Ibanez son la zona cero de todas las guitarras de siete, ocho y nueve cuerdas de la nueva escuela que siguieron su estela.

Cuando el guitarrista Brian Patrick Carroll, también conocido como Buckethead, en Pomona, California, lanzó su primer álbum Bucketheadland en el sello japonés Avant de John Zorn, provocó un grito ahogado colectivo entre los guitarristas.

Primero, estaba su apariencia: solo actuó con una máscara blanca inexpresiva y un cubo de KFC en la cabeza. Si bien eso fue un poco extraño, no se compara con movimientos de otro mundo que hicieron que jugadores veloces como Joe Satriani, Eddie Van Halen, Yngwie Malmsteen y Paul Gilbert pareciera que estaban corriendo en arenas movedizas. Con Bucketheadland, llevó la velocidad y la técnica deslumbrantes a otro nivel.

Desde entonces, ha surgido una nueva generación de guitarristas igualmente sorprendentes, cuyo principal objetivo parece ser hacer llorar a otros intérpretes, entre ellos Tosin Abasi y Javier Reyes (Animals As Leaders); Tim Henson y Scott LePage (Polyphia), Guthrie Govan y Andreas Varady.

Hace poco más de 20 años, cuando la mayoría de nosotros estábamos empezando a aceptar la idea de meter toda nuestra vida en nuestra computadora portátil, a un tipo inteligente de Line 6 se le ocurrió la idea de meter un montón de amplificadores deseables. Allí también nació la colección de modelos de amplificadores con licencia Amp Farm.

Hoy en día, los complementos de empresas como BIAS, Blue Cat, IK Multimedia y Line 6 están tan omnipresentes en los estudios de grabación que tienes suerte si un ingeniero no te acompaña hasta la puerta si llegas con una cabeza tradicional y un Cabina 4x12.

Cuando Guitar World habló con John Meyer hace un par de años, dijo que todavía lleva consigo un amplificador cuando hace una sesión, pero que el 99 por ciento de las veces el productor utilizará la pista directa a digital en la mezcla final. ¿Los amplificadores tradicionales están tostados? Quién sabe. Pero definitivamente se están poniendo un poco marrones en los bordes.

La próxima vez que entres en un NAMM Show y notes todas estas guitarras de aspecto extraño que parecen mesas de café antiguas y te preguntes de dónde vienen, agradece (o culpa) a Jack White, quien elevó la guitarra Airline al estatus de ícono retro.

En 2003, el guitarrista, compositor y educador australiano Justin Sandercoe tuvo una gran idea: ¿por qué no ofrecer algunas lecciones de guitarra en línea para promover sus lecciones privadas individuales?

Debido a su amable presencia y la claridad de sus instrucciones, Sandercoe se convirtió en una de las primeras superestrellas de YouTube, y su idea cobró fuerza, inspirando a innumerables profesores de guitarra a hacer lo mismo. Y es gratis.

No es difícil idear un nuevo diseño de guitarra, pero es casi imposible encontrar una que atraiga a miles de músicos. A medida que mujeres como Yvette Young, Rebecca y Megan Lovell (Larkin Poe), Nita Strauss, Nili Brosh y Sophie Lloyd ascienden a la prominencia como algunas de las luces más brillantes de la guitarra contemporánea, tal vez tenga sentido que la guitarra más moderna y popular de los últimos tiempos fue creado por Anne Clark de San Vicente.

Utilizado por Clark y gente como Jack White, Tom Morello y J Mascis, su instrumento angular, con sus mini humbuckers, ha recibido elogios universales de las revistas de guitarra, y Chris Gill de Guitar World dijo que el “diseño atrevido de la guitarra es el tipo de cosa que Los guitarristas amarán u odiarán desde el principio, pero es imposible no enamorarse de él cuando lo coges y lo tocas. Ya sea tocando sentado o de pie, todo encaja perfectamente y el mástil pide a gritos que lo toquemos”.

Nuestra predicción: hazte a un lado, Les Paul; El modelo de San Vicente seguirá existiendo durante mucho tiempo.

De acuerdo, secretamente me pone nervioso descubrir un amplificador que parece ser más inteligente que yo. Suspiro. Quizás necesito ir a un técnico y que me “vuelvan a colocar el tubo”. Dicho esto, el Spark y su hermano pequeño, el Spark Mini que funciona con baterías, son bastante brillantes.

Además de ser uno de los amplificadores de práctica con mejor sonido del mercado, incluyen una aplicación complementaria que te permite programar y modificar más de 10.000 sonidos. Si eso no es suficiente, la aplicación Spark también tiene una función que analizará lo que tocas y creará automáticamente una parte de bajo y batería que lo complemente y, si te da pereza, también puede descubrir los acordes de tu favorito. canciones.

¿Es la IA el futuro? Más probable. Ahora, si tan solo pudieran inventar un amplificador que sirva una cerveza fría...

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Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana, Brad fue el editor de Guitar World de 1990 a 2015. Desde su partida, es autor de Eruption: Conversations with Eddie Van Halen, Light & Shade: Conversations with Jimmy Page y Play it Loud: Una historia épica del estilo, el sonido y la revolución de la guitarra eléctrica, que sirvió de inspiración para la exposición Play It Loud en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York en 2019.

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